Объемные фото картины: Объемные картины в интерьере [60+ стильных дизайнерских идей]

Нет комментариев

Объемные фото картины: Объемные картины в интерьере [60+ стильных дизайнерских идей]

Объемные картины в интерьере [60+ стильных дизайнерских идей]

Объемная картина. Масло

Картины придают помещениям индивидуальность и могут многое рассказать о предпочтениях, материальных возможностях хозяина дома или квартиры. Подбирайте их с учетом дизайна комнаты, фактуры и цвета стен, располагайте, сохраняя стилистическую, смысловую совместимость.

Жилье не является галереей, потому картины в нем должны не выделяться, а дополнять интерьер и вносить гармонию. Прекрасным вариантом для дома являются объемные панно, которые можно приобрести в готовом виде или сделать самостоятельно.

Содержание:

Объемная картина в современном интерьере

Применение и особенности

Декор стен может быть самым разнообразным. Продумывая его, приходится учитывать массу нюансов, ведь то, что будет смотреться привлекательно в одном помещении, может оказаться совершенно неуместным в комнатах, выполненных в другом стиле. Декорирование поверхностей – это важная задача, которую можно превратить в увлекательный процесс. Проявите свои творческие способности или обратитесь к специалистам и с их помощью превратите жилье в дом своей мечты!

Интересный выбор материала

Совет! Если вы давно мечтаете придать новизну отдельным помещениям в своей квартире, объемные панно идеально подойдут для реализации этой задачи.

Украшение для викторианского стиля

Фактура

Картины часто приобретают и изготавливают самостоятельно с целью освежить интерьер. В результате помещения словно оживают. Такие панно воспринимаются по-разному в зависимости от того, под каким углом человек на них смотрит. Это уникальное качество, одно из тех преимуществ, за которые ценятся такие работы.
Немалое значение имеет и мобильность. При необходимости в любой момент можно переместить картину на другое место, где она будет выглядеть совершенно иначе.
Объемные работы никогда не надоедают. Панно можно изготовить в любом размере, исходя из личных предпочтений и наличия свободного пространства.

Портрет из кусочков бумаги

Стиль и тематика

Подобрать панно к общему стилю несложно, что, безусловно, является важным преимуществом. Их можно выполнять в виде уникальных изделий, которых нет ни у кого, или приобретать в готовом виде.

Важно! Помните, что декор не только украшает дом, а и отображает увлечения, эстетические вкусы людей, которые в нем проживают.

Хоум-офис в стиле модерн

Пространство

Стоит отметить, что объемные панно идеально подходят для небольших помещений, так как они визуально расширяют пространство. Если вы стремитесь зрительно увеличить комнату, обязательно приобретите такую картину.

При наличии творческих способностей можете сделать ее своими руками. Ориентируйтесь на стиль и особенности комнаты. С помощью панно вы можете легко сгладить имеющиеся недостатки, выгодно подчеркнув плюсы помещения. Для размещения картины выбирайте не перегруженную другими элементами декора стену. В случаях, когда на стенах просматриваются какие-либо дефекты, вам удастся выгодно их скрыть.

Совет! Наиболее эффектно объемные картины выглядят при размещении на выступающих частях стен и в стеновых нишах. В зависимости от поставленной задачи с помощью панно помещение можно разделить на зоны или, наоборот, превратить его в единое целое.

Совет: чтобы вам и другим жильцам в любом из помещений было приятно и максимально комфортно, меняйте свой дом, создавайте в нем уют, самовыражайтесь!

Оригинальная идея для объемного панно

Мастер-класс по созданию объемных панно

Своими руками можно создавать современные и очень красивые изделия, которые будут полностью соответствовать существующим требованиям и особенностям комнаты.

Творите, придумывайте разнообразные идеи и воплощайте в жизнь лучшие!

Сочетание нескольких материалов придаст дополнительный акцент

Предлагаем ознакомиться с разными способами изготовления панно и попробовать создать собственный шедевр, который будет радовать глаз и выгодно подчеркивать плюсы комнаты. В качестве основы для объемных элементов применяйте ткань или бумагу. Такие картины вы можете создавать для украшения своего дома, для праздников или выполнять на подарок.

Картины из искусственных цветов

Формирование объемного цветка

Предлагаем вам изготовить замечательную картину в виде цветка. Задание достаточно простое, с ним справится даже новичок, а полученные результаты – шикарные, вы будете довольны своей работой.

Чтобы получить красивую картину, подготовьте:

Холст.
Бордовый нетканый материал (войлок).
Ткань для фона.
Ножницы.
Клеевой пистолет.

Подбирая ткань для фона, учитывайте, что ее размеры должны быть больше, чем размеры рамки. Допускается разница от 5 до 7 см.

Совет! Берите неяркую ткань, например, серую. На ее фоне прекрасный цветок, который вам предстоит создать, будет выгодно выделяться и привлекать внимание гостей.

Порядок действий:

Заранее определитесь с необходимыми размерами фона, вырежьте из ткани квадрат.
Вырезанный элемент разместите на ровной поверхности внешней стороной вниз, наверх положите холст. Приклейте к основе квадрат, начиная с боковых сторон. Затем сложите углы и приклейте остальные две стороны – нижнюю, верхнюю.

Переходите к изготовлению заготовок для лепестков из войлока. Подготовьте прямоугольники в количестве 34 шт. (по 10 больших и средних, 14 маленьких). Размеры больших элементов должны оставлять 11 х 7,5 см, средних и маленьких – 9 х 6,5 см и 7,5 х 5 см соответственно.

Заготовка для лепестков

Формируйте лепестки цветка. Работайте с узкой частью заготовок. По центру линии, которая является шириной прямоугольника, нанесите клей и, сложив войлок вдвое, плотно сожмите его в центре с обрабатываемой стороны. Переверните заготовку изнанкой вверх и с помощью клея закрепите на образовавшейся складке ткань, находящуюся по обе стороны от нее. Затем переходите к обработке другой узкой стороны изделия. Здесь вам необходимо аккуратно обрезать уголки, придав изделию красивую форму лепестка.

Совет! Дождитесь, когда высохнет клей, и только после этого завершайте формирование лепестков.

Сделайте указанное количество элементов и приступайте к формированию цветка. Равномерно распределите на холсте большие лепестки и приклейте их, оставив внутри немного места для серединки цветка.

Склеиваем лепестки вместе

Совет! Покрывайте клеем только основание лепестков, ни в коем случае не наносите его на весь элемент.

Поверх первого ряда лепестков наклейте элементы среднего размера. То же самое проделайте с маленькими лепестками (7 шт.)

Важно! Дождитесь, когда высохнет клей, и только после этого завершайте формирование лепестков.

Из оставшихся четырех маленьких элементов сформируйте четвертый слой. После этого действия у вас останется еще три лепестка – создайте из них серединку и также надежно закрепите ее на холсте.

Яркая реализация из войлока

Может быть, вам очень понравится такой вид творчества и вы захотите создать еще не одну картину. Мастер-классов для новичков много, вы обязательно справитесь. Ну а если у вас нет желания проделывать такую работу, объемные панно всегда можно приобрести у талантливых людей, которые изготовят их с учетом ваших пожеланий и реализуют самые безумные идеи!

Картины 3D для интерьера + фото

Быстро преобразить интерьер комнаты помогут картины. Если приобретение классической живописи не доступно, на помощь придут современные технологии. Их активное применение в сфере дизайна предоставляет возможность украсить интерьер помещения уникальными картинами в формате 3D.

Картины в современном интерьере

На сегодняшний момент изображения в формате 3D пользуются широкой популярностью. Сюжетных ограничений здесь не существует, диапазон тематик обширен:

Предпочтение отдается пейзажам, цветочным и морским мотивам.
Большие 3D картины, выполненные с помощью художественной росписи, часто имитируют террасу, увитую растительностью, и уходящую вдаль дорожку.
Кого-то завораживает интерьер с объемным изображением горных вершин.
Реже останавливаются на тематике ночного мегаполиса или абстракции.

Картина 3D зачастую играет доминирующую роль в дизайне интерьера. Иногда она подчеркивает определенную деталь или задает общий тон. Формирование объемного изображения на стекле позволяет создать переливы света и мерцающие блики, которые наделяют картину и весь интерьер глубиной восприятия. Такой прием раздвигает границы пространства, придавая ему дополнительный объем.

Сюжет картин 3D варьируется в зависимости от места расположения:

в квартире на кухне уместно повесить яркий натюрморт;
интерьер гостиной преобразится с огнями ночного города;
спальную комнату лучше украсить изображением с романтическим уклоном или спокойным пейзажем;
для детской обычно подбирают сюжеты с любимыми сказочными персонажами.

Оригинальные картины 3D для интерьера на фото ниже:

Варианты создания 3D эффекта

Существуют различные способы создания изображений с эффектом 3D. Наибольшее распространение получили картины на стекле. Они могут быть привычного формата или модульные. Часто встречаются варианты фотопечати на холсте. Настоящим шедевром являются живописные рисунки, созданные рукой художника. Для простого обывателя интересным покажется опыт создания объемной картины своими руками.

Картины на стекле

Новым веянием в дизайне интерьера являются картины из стекла. При ближайшем изучении процесс их создания не отличается сложностью, главное – наличие современного оборудования и творческого штата сотрудников. На первом этапе осуществляется печать изображения на пленке. Затем ее крепят лицевой стороной на обратную поверхность стекла. Картины на стекле выглядят очень стильно в современном интерьере комнаты. Природное или искусственное освещение, попадающее на поверхность панно, создает изумительную игру красок. Для поклонников больших фотографий подобное украшение на стену будет приятным подарком.

Компании, выпускающие картины на стекле, предлагают в комплекте дистанционные держатели на стену. В зависимости от общего интерьера комнаты, они могут быть выполнены под золото и никель традиционных блестящих или матовых оттенков.

Интересные примеры фото под стеклом представлены далее:

Фотопечать на холсте

Объемное изображение на холсте станет изюминкой любого интерьера. Оформление индивидуального панно с фотопечатью не займет много времени, а в итоге получается эффектный результат. Специализированные компании предлагают широкий спектр услуг по созданию картин 3D. Рисунок можно выбрать из каталога, заказать известную репродукцию или печать собственного фото.

Изображения наносятся на натуральную хлопковую материю с применением технологии эко-сольвентной печати. Дальнейшее оформление зависит от пожеланий заказчика и дизайна интерьера:

Холст может органично смотреться на подрамнике. Галерейная натяжка подразумевает фиксацию полотна на подрамнике таким образом, что изображение продолжается на боковых сторонах картины. Классическое обрамление при этом отсутствует.
Завершенность и изысканность картине придаст оформление в подходящую рамку.
Продлить сохранность предмета интерьера, оживить изображение и приблизить к подлинному произведению искусства поможет покрытие лаком.
Достичь живописного эффекта и реалистичности 3D помогает дополнительная прорисовка акриловыми красками или специальным гелем.
В отдельных случаях уместно воспользоваться услугой имитации под старину.

Все зависит от дизайна комнаты и сюжетной линии картины. Актуально и свежо в интерьере выглядят мульти панно, о чем свидетельствует следующая фотография:

Рисунки на пластике

Интерьер пространства для отдыха молодежи украсят картины на пластике. В этом случае ПВХ служит основой для фиксации самоклеющейся пленки с нужным фото. После этого панно подвергается ламинированию пленкой с матовым или глянцевым эффектом. Это придает изображению нужный блеск и предотвращает от механических повреждений. В зависимости от интерьера выбирают или насыщенные и яркие цвета с глянцем, или спокойную матовую поверхность. Доступная ценовая политика – отличительная черта картин на пластике. По желанию заказчика и с учетом дизайна интерьера, панно оформляется в рамку под золото или алюминий без блеска.

Искусство живописи

Никакие новейшие технологии и разработки не сравнятся с шедеврами живописи, созданными руками человека. Рисовать картины с эффектом 3D начали сравнительно недавно, и это мастерство художников не перестает удивлять искушенного зрителя. Убедиться в этом помогут следующие фото:

Такие произведения станут достойным украшением современного интерьера.

Бумажные картины

Творческим натурам придется по душе идея украсить интерьер картиной 3D из бумаги, выполненной своими руками. Для этого потребуется:

На заключительном этапе картинку помещают в рамку и определяют достойное место в интерьере комнаты. Для практичности копии изображений лучше печатать на листах белого картона, в противном случае их приходится укреплять плотной бумагой.

Заключение

Вариантов украсить интерьер объемным изображением множество, главное – соблюдать соответствие общему стилю помещения.

3D рисунки на асфальте (26 фото) видео

Рисунки на асфальте, выполненные в технике 3D фото, видео просто поражают своим реализмом и иллюзией объёма. Только настоящий талантливый художник сможет выполнить работу такой сложности. Ведь для этого необходимо владеть техникой видения перспективы, знать все условия построения композиции и много чего ещё уметь, для того, что бы получились самые прикольные картинки 3D рисунки на асфальте. Меня всегда поражали эти необычные, можно сказать волшебные картины, когда на плоской поверхности вдруг появляются абсолютно объёмные сюжеты, это не может оставить равнодушным. Причём эти изображения настолько реалистичны и похожи на действительность, что определённое уважение к мастеру, нарисовавшему это чудо, возникает автоматически.

Техника создания картинки 3D рисунки на асфальте очень сложная, далеко не каждый человек, даже обладающий определёнными способностями в сфере изобразительного искусства сможет выполнить подобные шедевры. Здесь с первого взгляда чувствуется рука талантливого мастера, профессионала своего дела и просто гениального художника. 3D рисунки на асфальте поражают любого человека своей реалистичностью, недаром многие люди стараются сохранить на память эти картинки, ну и конечно же самому сняться на фоне этого чуда. Такие вещи надо смотреть своими глазами, фотография конечно же это замечательно, но в живую всё смотрится с ещё большим интересом и воодушевлением. Правда у нас в России мало подобных изображений, по крайней мере я ни в одном городе страны такого чуда не видел, но, надеюсь кто-нибудь отважится и создаст шедевры и у нас на родине. Итак, давайте же вместе полюбуемся на эти шедевры изобразительного искусства и посмотрим прикольные 3D рисунки на асфальте картинки, а в конце подборки фотографий Вас ждёт самое прикольное видео — кот против надувного кота.

3D рисунки на асфальте картинки 3D рисунки на асфальте фото 3D рисунки на асфальте фото

Подборка Приколов:

Как делаются 3D рисунки:

Как делаются 3D рисунки 2 часть. Видео

Понравилось, расскажите друзьям:

Печать фото и модульных картин на холсте в Перми, заказать современную картину на холсте, цены

Чтобы сохранить дорогие сердцу моменты в лучшем виде, а также преобразить интерьер, придать ему индивидуальность, рекомендуем вам заказать картину на холсте. Наши специалисты готовы превратить ваше любимое изображение в искусство!

Чем холст лучше обычной фотобумаги?

У холстины особая текстура — более натуральная и грубая. На ней написаны известные произведения изобразительного искусства, вошедшие в мировые коллекции живописи. Взяв за основу этот материал, вы передаете обычному фотоснимку свойства написанного маслом полотна.
Картину, в отличие от напечатанной на фотобумаге фотографии, не нужно защищать от воздействия внешних факторов с помощью стекла. Для оформления можно использовать багетную рамку.
Если вы хотите украсить квартиру или дом отличными репродукциями, необязательно платить большие деньги за написание копии художнику и долго ждать выполнения заказа. Электронная копия создается за 1–2 дня. Она точнее передает цвета и оттенки, при этом стоимость картины на холсте намного ниже, чем цена за услуги художника-копииста.
Готовые фотокартины сохраняют свои свойства много лет. Материал, на котором их печатают, очень прочен, не боится перепадов температуры, влажности, устойчив к выцветанию.

Что можно напечатать?

Картины по фотографии на холсте могут представлять собой портреты, семейные фото и пейзажи, которые ваши гости будут воспринимать, как эксклюзивные авторские произведения. Вы самостоятельно можете выбрать стиль картины — «Дрим-арт», «Акварель», «Авторский» и многие другие.

Это могут быть образцы цифрового искусства, изначально созданные на компьютере или получившиеся в результате обработки фотографий. Вы можете заказать фотоколлаж — композицию из нескольких изображений, репродукцию полотна известного художника, печать фото и модульных картин на холсте для создания стильного декора интерьера.

Также возможна печать эффектных постеров, которые украсят стены вашего офиса или торгового помещения, привлекут внимание посетителей и клиентов.

Стоимость изготовления

Холст на подрамнике

Размер (см)	20х30	25х40	30х40	40х40	40х50	40х60	50х50	50х60	50х70	50х80	60х60	60х70	60х80	60х90	60х100	70х70	70х80	70х90	70х100	80х80	80х90	80х100	90х90	90х100	100х100
Стоимость	600	700	800	900	1000	1100	1150	1200	1300	1450	1500	1670	1850	2000	2150	1700	1800	2100	2300	2200	2400	2700	2600	3000	3100

Интерьерная печать 1440dpi , натуральный холст 330 гр.

Подрамник 40х20мм.

Металлический подвес

Наши преимущества

В РПК «Траектория» в Перми вы можете выгодно купить картину на холсте. На нашем производстве мы используем лучшие материалы, экологичные чернила, принтеры, обеспечивающие превосходный результат: безупречное качество печати, точную передачу деталей, цветовой палитры оригинала и долговечность отпечатков. По желанию заказчика натягиваем холстину на подрамник.

Объемные картины для интерьера — Шедевр

Совсем недавно в дизайне интерьеров появилась такая новинка, как модульные картины, и быстро стала популярна.
Особенности модульных картин
Модульные картины – это картины, которые состоят из нескольких частей, объединенных общей композицией, стилем или цветовым решением.

Такие картины также называют сегментированными. Таких сегментов может быть от двух и больше. Чаще всего продаются объемные картины, состоящие из двух, трех и пяти сегментов. При этом сегменты не обязательно будут квадратными или прямоугольными. Они могут быть круглыми, овальными, в форме ромба или многоугольника, причем даже в одной композиции могут быть сегменты различной формы.

Особое значение имеет также расположение картин относительно друг друга. Здесь все зависит от изображения на модулях. Существует два варианта изображений. Первый – это единое изображение, целая картина, просто разбитая на несколько кусочков. В этом случае располагать сегменты лучше всего на одном уровне, на небольшом расстоянии друг от друга. Второй вариант – картина, на каждом из сегментов которой изображен рисунок, независимый от других. Такие модульные картины можно размещать горизонтально или вертикально, на разных уровнях и на разном расстоянии. Порядок расположения сегментов также не имеет значения.

Еще одной особенностью таких картин является то, что сегменты не оформляются в рамки и багеты. Как правило, каждый сегмент просто натягивается на деревянный подрамник. Это делается для того, чтобы оформление не отвлекало внимания от общей композиции, хотя и здесь бывают исключения.

Изготовление сегментированных картин

Украсить интерьер подобным образом можно, купив готовые объемные картины или изготовив их самостоятельно.

Самый распространенный вариант готовых картин – это изображения, которые изготовлены с помощью фотопечати на натуральном холсте и покрыты лаком. Такие картины можно не только купить в магазине, но и сделать на заказ. Более дорогостоящий вариант – расписанные вручную картины.

Однако купить объемные картины – не единственный вариант. Можно попытаться изготовить их самостоятельно. Конечно, распечатать своими силами не получится, да и расписать вручную не каждому под силу. Но можно украсить интерьер с помощью модульной картины, вышитой крестиком или бисером или изготовленной из алмазной мозаики. Тем более что производители наборов для вышивания, учитывая модные тенденции, выпустили в продажу огромное количество специальных наборов.

«Арт Моне» — картины на холсте

Компания «Картина-Уфа» предлагает вам оригинальный и современный способ поздравить близких людей с днем рождения, или сделать необычный подарок по любому торжественному случаю. Картины на холсте по фотографии в Уфе, фотоколлажи, стилизованные портреты, световые панели и модульные картины будут радовать ваших друзей и любимых долгие годы, напоминая о теплых минутах, проведенных вместе. А еще – они станут своеобразной изюминкой в оформлении интерьера.

Наши услуги

Используя фотографии, хранящиеся в вашем семейном архиве на жестком диске компьютера или в «облаке», мы можем изготавливать такие виды продукции:

Портреты на холсте. У нас вы можете заказать и купить портрет на холсте, выполненный в стилях «поп-арт», «бьюти-арт», «гранж», а также стилизованный под акварель или масляную живопись.
Фотоколлажи. Выберите серию фотографий, объединенных общей темой: love story, trevel photo и т.д. и с использованием современных технологий печати мы оригинально расскажем вашу историю в ярком и стильном фотоколлаже.
Модульные картины. На основе обыкновенного фото можно создавать диптихи, триптихи и полиптихи – сегментированные композиции, состоящие из нескольких частей, связанных общим сюжетом. Такие картины – отличное дизайнерское решение в оформлении интерьеров. Модули не оформляют в классические рамы или багеты, они крепятся на стены в определенной последовательности, а изображение продолжается на торцах картины.
Световые панели. Тонкие светодиодные панели с фотоизображением украсят любые современные интерьеры. Световые панели первоначально были востребованы в рекламе, но сегодня сферы их применения существенно расширяются. Они используются в оформлении офисных и торговых помещений, гастрономических заведений и интерьерах различных организаций, а также могут гармонично вписываться в обстановку современных квартир и домов.

Как мы работаем

Для того, чтобы сделать заказ, выберите фотографию, которую вы хотели бы превратить в модульную картину, или напечатать на холсте. Это может быть семейный или одиночный портрет, свадебное или любое другое фото из вашего архива. При этом важно, чтобы оно имело достаточно хорошее качество. Отправьте фотографию нам по электронной почте и свяжитесь с нами по телефону или через форму на сайте. Далее мы выберем оптимальный способ компьютерной обработки и приступим к выполнению заказа.

Использование современных экологичных материалов (натуральный холст и стойкий высокопигментированный краситель) и инновационного печатного оборудования позволяет нам в кратчайшие сроки изготавливать настоящие произведения искусства. Благодаря простоте технологического процесса наши цены на модульные картины и портреты на холсте куда ниже, чем на картины, которые вы могли бы заказать у художников.

Печать изготовление картин постеров модульных Интерлюкс Москва

Печать постеров на холсте — изготовление модульных картин

Мы печатаем картины на заказ.
Используем только качественные материалы.
Наши краски абсолютно безвредны и не имеют запаха.
Высокая устойчивость изображения к выцветанию и царапинам.
Очень выгодная цена.

МОДУЛЬНЫЕ КАРТИНЫ

Модульная картина на холсте – тренд последних сезонов! Наши дизайнеры грамотно отредактируют выбранное Вами изображение и сделают из него шедевр! Вы можете сделать модульную картину из фотографий своего архива или выбрать изображение в нашей галерее. Эффектное наполнение интерьера можно создать напечатанными картинами на холсте. Современная экологичная латексная печать приподнимает горизонт ранее недоступных возможностей.

Интересная возможность с точки зрения яркого дизайна помещений — это объемные модульные картины.

Есть возможность выбрать готовые решения изготовления модульных картин. Посмотрите и выберите заинтересовавшую Вас тематику картин в обширной галерее. Широкий выбор тем позволяет выбрать изображение под любой интерьер и настроение. В нашем магазине готовых решений есть возможность выбора репродукций классических и современных художников. Разнообразные арт-направления, тематические композиции. Картины с цветами и фруктами. С животными и техникой. Пейзажи и городские мотивы.

ЛЮБОЙ ФОРМАТ И РАЗМЕР КАРТИНЫ ПО ЖЕЛАНИЮ ЗАКАЗЧИКА

На нашем оборудовании мы успешно осуществляем печать картин экологически чистыми красками. Существующие технологии репродуцирования изображений имеют неограниченные возможности и высокое качество исполнения.

Предлагаемый нашим производством современный латексный принтер позволяет получить яркое и контрастное изображение на натуральных и синтетических холстах. Немало важное достоинство является стойкий к внешним воздействиям отпечаток, по сравнению с обычной пигментной печатью, латексное покрытие достаточно стойкое к царапинам и выгоранию. Высокая экологичность — в процессе печати картин используются красители, не содержащие в своем составе летучих растворителей, не имеющие резкого запаха, что немаловажно для изделий используемых в интерьерах.

Любое выбранное вами изображение переносится таким образом, что будет довольно сложно отличить его от оригинала, написанного рукой профессионального художника.

Основным материалом на котором печатаются картины, является натуральный льняной холст, прошедший специальную обработку. После печати изображения, такие картины могут обрабатываться различными финишными отделочными материалами, например — покрываться структурным художественным гелем или акриловым лаком. Эти материалы защищают от воздействия окружающей среды, повышенной влажности, которая может повредить основу под изображением.

МОДУЛЬНЫЕ КАРТИНЫ С ЧАСАМИ

Картина может нести помимо эстетического удовольствия еще и полезные функции. Часы полноценно дополняют в выгодном свете художественные произведения, можно гармонично вписать в композицию модульной картины часовой циферблат, подобрать стиль и цвет стрелок. Это очень интересное дополнение к простому постеру на подрамнике в вашем интерьере. Если картина выполнена в виде постера — фотографии на холсте, то это еще и прекрасный подарок на знаменательную дату. Фотопостер с часами или модульная картина, это множество доступных вариантов исполнения с использованием часовых механизмов. Мы в своем производстве используем механизмы не дискретного, а плавного хода. Без раздражающего громкого тиканья, порой мешающего в ночной тишине. Подбираем стиль стрелок в зависимости от композиционного и колористического наполнения картины.

ИЗГОТОВЛЕНИЕ МОДУЛЬНЫХ КАРТИН С ГАЛЕРЕЙНОЙ НАТЯЖКОЙ ХОЛСТА

Модульные картины — популярное направление в сфере оформления интерьеров. Выбранное изображение разбивается на сегменты различной величины и ориентации. В композиции чаще всего используется от 2 до 5 сегментов.

Печать производится на натуральном или синтетическом холсте. Латексная печать лишена посторонних резких запахов, с высоким визуальным разрешением, великолепной детализацией. Имеет очень длительный срок эксплуатации, не выгорает, не отслаивается и не трескается.

Галерейная натяжка на качественный сосновый подрамник из специализированного профиля. Мы не используем в производстве широко распространенные системы готовых модульных подрамников. Системы готовых подрамников широко представлены во множестве интернет магазинах принадлежностей для художественного хобби. Они собираются на руках и угловые соединения фиксируются клиньями.

К сожалению такая система не выдерживает длительной эксплуатации, и банально теряет геометрию из за рассыхания планок. На нашем производстве изготавливаемые подрамники сшиваются специализированными пружинящими скобами из нержавеющей стали. Сборка происходит на профессиональном сшивном станке Cassese CS20. Он надежно стягивает и скрепляет углы подрамника.

Это залог неограниченного срока эксплуатации картины. В качестве системы подвеса хорошо себя зарекомендовали планки «крокодил». Они имеют определенную свободу регулировки по горизонтали и существенно облегчают монтаж отпечатанной картины.

НАДЕЖНАЯ И ПРЕЗЕНТАБЕЛЬНАЯ УПАКОВКА

Готовые картины упакованы в качественную термо-усадочную пленку и с защитными картонными уголками для безопасной транспортировки.

ВЫСОКОЭКОЛОГИЧНАЯ ПЕЧАТЬ НА НАТУРАЛЬНЫХ МАТЕРИАЛАХ

Благодаря особому покрытию холста, мы можем получить великолепный результат печати на нем. С лицевой стороны холст покрыт слоем белого эластичным специальным покрытием, подчеркивающим и сохраняющего его фактуру, что позволяет печатать изображения сопоставимые по качеству и детализацией с фото-отпечатками. Холст легко монтируется и натягивается на подрамник, без деформаций покрытия в местах угловых закреплений. Материал пожаро-безопасен и может использоваться в помещениях с повышенными требованиями пожарной и экологической безопасности. Латексная печать это самый современный и передовой метод экологической печати, он абсолютно безопасен для здоровья окружающих.

Сертификат безопасности на экологичные латексные краски для печати картин

Данный сертификат подтверждает экологическую безопасность используемых нами при печати на натуральных и синтетических холстах для картин.

Вы можете выбрать абсолютно любые изображения: пейзажные композиции и городские ландшафты, натюрморты и портреты, геометрические орнаменты и флористические принты, сюжетные картинки и репродукции знаменитых картин — любая идея будет идеально воплощена нами в реальностью. Обратившись в нашу компанию «Интерлюкс», клиент получает прекрасные возможности для декорирования интерьера уникальными эффектными картинами. Наши специалисты помогут Вам выбрать нужный сюжет из файловой библиотеки.

Для заказа услуги Вы можете связаться с нами по телефонам: +7 (903) 722-4420, +7 (495) 363-9256 или через форму обратной связи на нашем сайте.

Другие новости по теме

Фотографирование картин с помощью цифровой зеркальной камеры

Когда я в прошлый раз писал о фотографировании картин, я говорил о найме профессионалов и об оборудовании, которое они используют. За годы, прошедшие после этого поста, технология цифровых фотоаппаратов сильно развивалась в направлении, которое хорошо подходит для фотографирования картин.

Художнику нужны правильные цвета, значения и цветность произведения, с объективом без искажений, с очень высоким разрешением, которое может показать детали в мазке, а также различные резкость и мягкость краев.В течение многих лет лучшим способом добиться этого была камера среднего формата с цифровой задней панелью. Цена на это оборудование может легко доходить до десятков тысяч долларов. Основное недавнее изменение в потребительской цифровой фотографии состоит в том, что компании, производящие фотоаппараты, участвуют в том, что авторы технологических писателей пренебрежительно называют «войной мегапикселей». Эта гонка за лучшими датчиками с большим количеством пикселей подтолкнула возможности датчиков DSLR к диапазону недорогих цифровых задников, потенциально экономя мастеру-мастеру кучу денег.

Очевидно, что найм профессионального фотографа даст лучшие результаты. У них будет лучшее оборудование и опыт, чтобы знать, как им пользоваться. К тому же они невероятно дорогие (в Италии я платил 100 евро за фотографию или около 1000 евро за час работы). Вы можете купить целую установку по этой цене, а поскольку фотографировать картины — это действительно один трюк, получить достаточно хороший набор не так уж и сложно.

Чтобы хорошо сфотографировать произведения искусства, необходимо следующее оборудование: штатив, подходящее освещение, покрытое поляризованной пленкой, система калибровки цвета и серая карта, приличный корпус DSLR, который можно привязать к компьютеру, компьютер с программным обеспечением для привязки, хороший макрос (микро) линза с круговым поляризационным фильтром и программное обеспечение для редактирования и архивирования работы.

Сначала поместите картину на мольберт с двумя яркими, полноспектральными источниками освещения под углом 45 градусов к произведению искусства, поместите камеру на штатив так, чтобы линза была параллельна поверхности картины, как показано ниже. Свет, картина и фотоаппарат должны быть на одной высоте. Не должно быть других источников света, а все белое, что может вызвать блики на картине, должно быть закрыто. Профессиональные студийные фотографы рекомендуют не использовать автоматический баланс белого камеры, поэтому я сначала установил баланс белого в камере на 5400K (что похоже на цветовую температуру света, излучаемого моими лампами).Затем я сделал предустановку в камере, снова и снова сфотографировал группу картин и изменил настройки цвета и контраста, пока моя картина не выглядела в некоторой степени правильной, когда изображение впервые выходит из камеры.

Моя установка для фотографирования картин.

Поместите калибровочную карту перед картиной, сфотографируйте ее, затем запустите ее с помощью прилагаемого программного обеспечения (при необходимости конвертируйте RAW в DNG с помощью бесплатного конвертера DNG от Adobe). Программа находит цветные квадраты, измеряет их и создает предварительную настройку для вашей камеры.Сохраните предустановку. Выньте калибровочную карту и положите серую карту рядом с картиной.

Экран программы X-Rite ColorChecker Passport.

Сфотографируйте картину, сначала переведя камеру в режим подъема зеркала (или настройте удаленное соединение на использование режима подъема зеркала). Установите минимальное значение ISO, обычно 100, и рабочий режим должен быть приоритетным или ручным (программный режим тоже будет работать, если вы можете изменить настройку диафрагмы). Установите тип изображения RAW. Установите объектив в режим ручной фокусировки.Поворачивайте поляризатор на линзе до тех пор, пока не исчезнут блики на картине.

Затем включите мониторинг в реальном времени в программном обеспечении модема на вашем компьютере, переведите привязанное изображение в полноэкранный режим, увеличьте до максимального масштаба и вручную сфокусируйте снимок. Если ваше программное обеспечение для модема может делать снимки в режиме поднятого зеркала, снимайте с экрана компьютера, в противном случае используйте спусковой тросик затвора или пульт дистанционного управления. Не используйте спусковую кнопку затвора на фотоаппарате, так как она может немного сдвинуться и размыть снимок.Поэкспериментируйте с различными значениями диафрагмы, чтобы найти самую резкую для вашего объектива, обычно с макрообъективом лучше всего подойдет средний диапазон от f / 4 до f / 11.

Импортируйте фотографию в программу редактирования и примените предустановку калибровки (щелкните пипеткой на серой карточке, если баланс белого выключен). Внесите любые другие корректировки, например, поворот, кадрирование, настройку профиля объектива и т. Д. Затем я помечаю картины годом, местоположением и предметом, чтобы потом легко их найти. Я также сделал предустановки экспорта для всех возможных применений фотографий.Это упрощает подготовку изображений.

Несколько советов для больших картин: если у вас нет поляризационных листов, свет может быть под углом более 45 градусов, чтобы уменьшить блики. Если возникают проблемы с получением равномерного света на большой картине, найдите область с равномерным освещением и сделайте несколько снимков, перемещая картину на плоской плоскости на одинаковом расстоянии от камеры, пока не получите фотографии частей всей картины. Затем используйте программное обеспечение для сшивания, такое как Adobe Photoshop, PTGui или бесплатный Microsoft ICE, чтобы соединить отдельные изображения.Этот метод также можно использовать для получения изображений большого размера со сверхвысоким разрешением при использовании камеры с низким разрешением. Немного поработав, вы сможете запечатлеть детали, которые позволят камерам среднего формата работать за свои деньги. Тонкий HDR — еще одна идея, если диапазон значений слишком велик для камеры.

Ниже приведены некоторые из моих мыслей о фотооборудовании для художников. Большая часть расходов на оборудование для фотосъемки заключается в том, чтобы фотографы могли запечатлеть мимолетные моменты.Поскольку фотографирование картин осуществляется в строго контролируемых условиях, нет необходимости покупать самое лучшее и новейшее оборудование. (Я добавил реферальные ссылки Amazon).

Штатив может быть одним из тех дешевых пластиковых штативов за 20 долларов, которые продают повсюду. У меня есть пара, которую люди бросили в моей студии, которую я использовал в крайнем случае. Проблема в том, что они могут раздражать, когда занимают позицию. Обычно их не рекомендуют, так как они могут раскачиваться, но поскольку фотографировать картины нужно с помощью пульта дистанционного управления и когда камера находится в режиме зеркала вверх, движения нет.Тем не менее, лучше иметь приличный, например, производства Slik или Dolica, они стоят от 50 до 100 долларов (я использую шелк). Manfrotto или Vanguard — лучшие бренды, и, хотя они могут стоить дороже, штатив — это то, что нужно покупать только один раз.
Правильное освещение стоит недорого. В любом случае мне нужно было освещение для рисования после наступления темноты в моей студии, поэтому я выбрал установку освещения софтбокса со следующими характеристиками: 125 Вт (эквивалент 625 Вт), непрерывное освещение, чистые белые лампы дневного света 5400K, общий индекс цветопередачи Ra> 90 . Это тот, который у меня есть, чтобы дать представление о том, как они выглядят. Профессиональные фотографы будут использовать вспышки, которые могут дать более сильный и качественный свет, но вы не сможете рисовать со вспышки. Наконец, поляризационные листы должны быть помещены поверх софтбокса, дешевое место для получения поляризованных листов — Polarization.com.
Что касается камеры, то есть сайты получше, чем эта. Обычно рекомендуется тратить больше на объективы и экономить на корпусе камеры. Линзы служат дольше.Я выбрал Nikon, поскольку они, похоже, больше заинтересованы в сенсорах с большим количеством пикселей, а Canon, похоже, больше сосредоточена на своих возможностях видео. В последних моделях Nikon также был удален фильтр нижних частот и антиалиасинг для получения более четких изображений (удаление фильтра нижних частот может подвергнуть камеру риску появления муара, но арт-фотографы, которых я писал, сказали, что это не проблема). Для общего представления, новый Nikon начального уровня (DX) D3500 стоит менее 400 долларов с объективом, он имеет разрешение 24 мегапикселя и позволяет делать отличные фотографии.(Вы можете продать прилагаемый к нему объектив, так как вам понадобится макрообъектив). По мере того, как вы продвигаетесь вверх по линейке предложений Nikon, D5600 получает немного лучшее качество изображения за одну треть дороже. У него также есть множество наворотов, которые не имеют значения при фотографировании произведений искусства в контролируемой студии. То же самое и с фотокамерой D7500, которая защищена от непогоды, делает фотографии быстрее, имеет лучшую автофокусировку, делает снимки лучше при слабом освещении и т.д. планируйте использовать камеру для других целей.Покупка поколения, бывшего в употреблении или отремонтированного, может сэкономить деньги. Высококачественные профессиональные Nikon с полноразмерным (FX) сенсором (например, D850) — это 36-мегапиксельные камеры, которые попадают в диапазон чисел пикселей среднего формата, и вы можете найти бывшие в употреблении D800 в наши дни по цене меньше, чем D7500.
Макро (или микро) объектив обычно предназначен для съемки мелких объектов с близкого расстояния. Причина, по которой они используются для фотографирования картин, заключается в том, что у них плоское поле фокусировки с небольшими геометрическими или цветовыми искажениями.Это также, как правило, очень резкие линзы, способные улавливать мелкие детали. Художникам нужен макрообъектив с фиксированным фокусным расстоянием, а не зум. Поскольку сейчас у меня небольшая студия, я использую недорогой 40-миллиметровый микрообъектив для больших картин и макрообъектив AIS 105 мм для своих набросков. Большинство профессионалов предпочитают 85 мм. Чем больше фокусное расстояние, тем лучше качество и меньше геометрические искажения, но вам нужно больше места для съемки больших картин. Светосильный объектив с диафрагмой f / 1,2 или f / 1,4 (дорогой) не нужен, поскольку студия будет хорошо освещена, а самые резкие настройки диафрагмы находятся посередине (f / 5.От 6 до f / 11). Наконец, поскольку при фотографировании картин нужно фокусироваться вручную, автофокусировка не требуется, а старые использованные объективы могут иметь отличную (резкую) оптику за меньшие деньги. Круговой поляризатор должен быть от известного бренда (у меня круговой поляризатор B + WKaesemann).
Система калибровки цвета — один из самых мощных инструментов в художественной фотографии. У меня есть X-Rite ColorChecker Passport, и он на вес золота. Что вы делаете, так это устанавливаете цветовую сетку на мольберте, где будет сфотографирована ваша картина, делаете снимок квадратов при правильном освещении, импортируете его на свой компьютер и запускаете через программное обеспечение X-Rite.Это создаст профиль того, как ваша камера видит цвета при вашей настройке освещения. Оттуда к любой фотографии, которую вы делаете, можно просто применить профиль, и он получит правильные цвета и значения одним щелчком мыши. Я потратил часы, пытаясь возиться с настройками моей картины рядом с экраном, с гораздо худшими результатами. Это действительно того стоит. У меня также есть программное обеспечение для архивирования и исправления фотографий. Я использую Adobe Photoshop и Lightroom по годовой подписке. Когда вы освоитесь, это быстро и эффективно.Библиотека работает очень хорошо, и я могу быстро перемещаться по своему архиву из тысяч фотографий. В нем есть все стандартные инструменты коррекции цвета, а также удаление пятен (часто подразумевается удаление ошибок на пленэрах). В нем также есть профили моих объективов от Nikon, поэтому, если я скажу программе, какой объектив я использовал, она исправит геометрическое искажение, быстро давая мне прямые линии по краям моих картин. Чтобы фотографировать с компьютера, я привязываю камеру к USB-кабелю и управляю ею с помощью бесплатной программы Sofortbild в OSX.Если я использую Windows, я использую ControlMyNikon (30 долларов США).
Для калибровки монитора возьмите приличный монитор (у меня есть Dell U2413 и дешевый 27 ″ Qnix от Ebay) и получите систему калибровки монитора. У меня есть X-Rite i1Display Pro, который работает с калибровочным программным обеспечением Dell. Это очень важно при просмотре ваших картин на компьютере. TFTCentral.co.uk отлично подходит для обзоров мониторов.

Cecilia De Torres Ltd — Эдуардо Коста

Эдуардо Коста — Объемные картины: геометрические работы

С 1994 года работа Косты состоит из объемных картин.Стеновые и отдельно стоящие работы состоят из слоев акриловой краски, которые наносятся кистью и шпателем. Нет холста, дерева или какой-либо другой опоры.

На предыдущих презентациях в Нью-Йорке (в галерее Elga Wimmer в 1995 и 1998 годах) Коста демонстрировал как репрезентативные, так и абстрактные картины. На этой выставке работы представляют собой геометрические монохромы, которые выступают из стены на 42 дюйма в пространство. Коллекция включает объемные прямоугольники, сферы и треугольники, которые на самом деле представляют собой «сформированные» куски краски.Они убедительно доказывают крайности в искусстве.

Коста известен как один из первых концептуалистов, который в конце 1960-х годов входил в группу Нью-Йорка, в которую входили Скотт Бертон, Вито Аккончи, Марджори Страйдер, Дэн Грэм и другие. Его «Модная фантастика», серия «вмешательств в средства массовой информации», появившаяся в The New York Times Magazine, Vogue и Harper’s Bazaar в период с 1966 по 1984 год, недавно была выставлена в GLOBAL CONCEPTUALISM (Музей Квинса, Центр искусств Уокера, Художественный музей Майами, и Художественный центр List в Массачусетском технологическом институте.Подобные работы Коста в настоящее время выставляются в HETERTOPÍAS в Museo Reina Sofía в Мадриде, Испания — до 27 февраля, а в мае его работы будут выставлены в POP ART INTERNATIONAL в Центре Жоржа Помпиду в Париже.

Искусствовед Картер Ратклифф писал об объемных картинах Косты. «Коста — концептуалист или, если хотите, живописный концептуалист. Его концептуализм совсем не обычный, сухой и дидактический, он полон решимости заменить чувственное присутствие произведения искусства теоретическим дискурсом.Эти картины пышные по форме и фактуре, яркие цвета. Коста — художник свирепой деликатности ».

Каталог с эссе Александра Альберро, интервью с Джоном Перро, хронология, библиография, 64 страницы с цветными и черно-белыми фотографиями.

« Коста использует африканские традиции так же, как он использует традиции европейского, североамериканского и южноамериканского авангарда, которым его работы в равной степени обязаны. Все они развязаны, разбиты на части и переформулированы таким образом, что четыре континента сливаются и одинаково присутствуют в объемных абстрактных картинах Косты.В конце концов, это самый поразительный и значительный аспект новой серии Costa, поскольку он одновременно объединяет не только традиции разных регионов земного шара, но и прошлое, и новые, пока еще совершенно неизведанные культурные возможности того, что, безусловно, будет быть беспрецедентно глобальным XXI веком ».
Из книги Александра Альберро« Реформирование модернистской живописи: геометрические абстракции Эдуардо Коста ».

Обзор Карен Уилкин — Предоставлено Партизанское обозрение (2001)

Обзор Эдварда Леффингуэлл — Предоставлено Art in America (июль 2001 г.)

Обзор Дэниела Ротбарта — любезно предоставлено New York Arts (январь 2001 г.)

Эдуардо Коста

Эдуардо Коста — аргентинский художник, проживший двадцать пять лет в США и четыре — в Бразилии.Он начал свою карьеру в Буэнос-Айресе как представитель поколения Ди Телла и продолжил работать в Нью-Йорке, где внес большой вклад в местный авангард. Он сотрудничал с американскими художниками Вито Аккончи, Скоттом Бертоном, Джоном Перро и Ханной Вайнер, среди других. В Бразилии он участвовал в проектах, организованных Элио Оитичикой, Лигией Папе, Антонио Мануэлем, Лигией Кларк и другими из школы Рио. Его работы обсуждались в Art in America, Art Forum, а также в основных книгах по концептуальному искусству: A.Альберро, Массачусетский технологический институт, 1999; П. Осборн, Федон, 2002; Мари Кармен Рамирес и Эктор Олеа, Художественный музей Йеля / Хьюстона, 2004 г .; Инес. Каценштейн, МоМА, Нью-Йорк, 2004 г., Луис Перес-Орамас и другие, Художественный музей Сан-Антонио, 2004 г .; Луис Камнитцер, Техасский университет, 2007 г., среди прочих. Работы Эдуардо Коста выставлялись в Новом музее в Нью-Йорке; Музей Виктории и Альберта, Лондон; Музей королевы Софии, Мадрид; Музей искусств Квинса, Квинс, Нью-Йорк; Центр искусств Листа, Бостон; Художественный музей Майами, Центр искусств Уокера, Миннесота, МОМА, Буэнос-Айрес; Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес и другие.Текущий проект заключается в производстве 30 велосипедов Duchamp / Costa, вдохновленных моделью 1980 года, для выставки работ Дюшана, куратором которой является Джессика Морган (Tate Modern) для фонда Jumex в Мехико.

Пожалуйста, нажмите, чтобы увидеть резюме и хронология

Как профессионально сфотографировать свои работы менее чем за 300 долларов

Некоторое время назад мы обсуждали, как Дэн душ Сантуш фотографирует свои работы. Однако, как и в случае с рисованием, у каждого свой образ действий.В этой статье художник Дэйв Палумбо обсуждает свой метод фотографирования произведений искусства и даже показывает, как создать профессиональную установку менее чем за 300 долларов… камеру и все такое!

Небольшое примечание: некоторые люди спорят о выборе производителей и о том, имеет ли значение бренд. По сути, это не так. Примеры в этой статье сняты с использованием фотоаппаратов и объективов Canon, хотя я считаю, что результаты будут почти идентичными при использовании любого основного производителя фотоаппарата. Общая правда в том, что различия между брендами незначительны с точки зрения конечных результатов, и каждая компания постоянно стремится быть конкурентоспособной с помощью последних предложений.Любая камера должна дать удовлетворительные результаты при правильном использовании. Я пользуюсь Canon, потому что это система, в которую я решил инвестировать, и я очень рад, что сделал этот выбор, хотя я полностью поддерживаю сравнение вариантов и получение того, что подходит как вашим потребностям, так и вашему бюджету.

Дополнительное примечание: эта статья была первоначально написана в 2013 году. Текст был обновлен (январь 2020 года), чтобы отразить новые разработки в технологиях и улучшения моего процесса.

Существует множество учебных пособий по фотографированию произведений искусства, и я рекомендую вам прочитать и их, потому что я не верю, что какой-либо один метод является единственно верным.Тем не менее, я прочитал ряд других руководств и почувствовал, что некоторым людям может быть полезно поделиться моим собственным методом, который я разработал на протяжении многих лет. За это время я прошел через множество различных процессов, настроек и камер, снял сотни картин и пришел к быстрому, простому и потенциально очень бюджетному рабочему процессу. Цель здесь — продемонстрировать, как получить четкие и точные фотографии ваших произведений искусства с целью воспроизведения в оптимизированном виде. Это может выглядеть как непроницаемая стена информации, но на самом деле это очень просто и быстро реализовать, как только вы разберетесь с ней. Используя этот метод, я обычно получаю отличные результаты на первом снимке с общим временем менее минуты на настройку и съемку, а затем еще на минуту цифровой обработки. Я также хочу продемонстрировать, что, хотя я рекомендую использовать лучшее оборудование, доступное вам, результаты профессионального качества печати вполне возможны при ограниченном бюджете.

Необходимые инструменты:

Для начала есть несколько основных инструментов, которые абсолютно необходимы.

A Камера:

Выбор камеры — это довольно обширная тема, потому что существует очень много вариантов, которые могут запутать вас. Если у вас ограниченный бюджет, вы, скорее всего, будете смотреть на компактные или карманные фотоаппараты или старые зеркальные фотоаппараты. Если вам нужно что-то более продвинутое, вы по достоинству оцените новые беззеркальные и зеркальные системы.

Компакты:

При покупке компактной камеры для фотографирования картин стоит обратить внимание на несколько ключевых особенностей.Первое и самое важное — это найти модель, которая позволит вам максимально использовать ручное управление. Многие наведи и стреляй только в автоматическом и полуавтоматическом режимах съемки, и это может быть ограничением для съемки художественных работ. Камера, в которой отсутствует ручное управление, также почти наверняка не позволяет записывать файлы в формате RAW, что еще одна проблема для получения высококачественных репродукций (особенно если вам нужно распечатать изображения большого размера). Третья проблема — найти камеру с сенсором не менее 10–12 мегапикселей.Мегапиксели подсчитываются путем умножения количества пикселей в изображении на его высоту и последующего деления на один миллион. Десятимегапиксельное изображение буквально состоит примерно из десяти миллионов пикселей. Чем больше пикселей, тем выше разрешение (и, следовательно, размер печати) записываемых изображений. Если ваша камера записывает в формате RAW, на изображении нет сжатия, что означает большую свободу действий, если вы должны повысить конечное разрешение, хотя всегда лучше начинать с максимально возможного количества пикселей.Поскольку мегапиксели — это на самом деле просто мера площади с использованием пикселей (например, измерение пространства с использованием квадратных футов), преимущества становятся менее значительными по мере увеличения числа. 10 мегапикселей может быть достаточно, чтобы получить изображение с качеством печати при журнальном размере, хотя, очевидно, чем больше, тем лучше.

В этой статье я использую модель Canon Powershot S90 (около 2009 г.).

Canon Powershot s90, старый и дешевый

DSLR и беззеркальные камеры:

DSLR, или Digital Single Lens Reflex, и беззеркальный вариант — это вариант для тех, кто ищет более высокое качество и контроль.Они также называются системными камерами и оснащены сменными объективами. Одно из наиболее очевидных различий между карманными камерами и системными камерами заключается в том, что из-за большего размера сенсора системные камеры потенциально обеспечивают значительно более высокое разрешение. Я рекомендую пойти по маршруту DSLR. Даже самая базовая модель DSLR начального уровня должна охватывать все функции, упомянутые выше, хотя вы всегда должны дважды проверять, чтобы быть уверенным (особенно при покупке подержанного оборудования более старой модели). Хотя разница между зеркалками начального и профессионального уровня может быть довольно заметной, любая из них, используемая должным образом, отлично подойдет для воспроизведения искусства.Хотя я советую приобретать хороший объектив, произведения искусства будут сниматься при средней диафрагме, что обычно является местом, где даже бюджетные объективы дают отличные результаты. Дорогие объективы вкладывают большую часть этих дополнительных денег в более высокую диафрагму и лучшую производительность при этих диафрагмах. Все это не имеет значения для наших целей. Для обычной фотографии вам, вероятно, понадобится что-то в стандартном диапазоне увеличения (24-70), хотя мне нравится снимать в телефото для картин. В то время, когда я писал эту статью, я использовал объектив высокого класса 70-200, и я обычно снимал в середине, где искажения самые низкие, а качество изображения самое резкое.Подробнее об этом чуть позже.

Canon 5Dmk2 с прикрепленным объективом EF 70-200 f2.8 IS2. Мое любимое оружие для съемки произведений искусства в то время, когда это было изначально написано. Покупка версии этого объектива без IS снизит цену объектива вдвое и по-прежнему обеспечит те же результаты при съемке на штативе. 5Dmk2 теперь устарел на несколько поколений и меньше первоначальной цены, но по-прежнему позволяет делать отличные фотографии. Моя текущая установка (2020 г.) — это Canon 5Dsr с Zeiss Makro-Planar 100 мм.

Штатив:

Для моего метода фотосъемки необходим штатив. Это не обязательно должно быть что-то особенное, но я рекомендую что-нибудь достаточно стабильное. Бюджетные варианты обычно подходят. Конечно, есть и более дешевые варианты, и гораздо более дорогие, но важно то, что не будет колебаться.

Фары:

Это всегда актуальный вопрос для произведений искусства. Раньше я работал с дорогими и громоздкими фотостробами, но с ними действительно сложно иметь дело, если у вас нет специальной фотостудии.Некоторые люди также рекомендуют снимать на открытом воздухе в тени или в пасмурный день, хотя я считаю это еще более неудобным (особенно учитывая, как часто я снимаю картину поздно ночью, чтобы успеть к сроку). В конце концов, я обнаружил, что получаю фантастические результаты, используя пару дешевых торшеров в виде дерева от Target (каждая из которых оснащена тремя лампами мощностью 100 Вт). В качестве бонуса они также отлично справляются с тем, чтобы моя студия хорошо освещалась. Альтернативой им могут быть зажимные светильники за 12 долларов из хозяйственного магазина, оснащенные такими яркими лампами естественного спектра, насколько это безопасно.Я настоятельно рекомендую лампы естественного спектра вместо обычных ламп накаливания. Моя установка — это 2 лампы дневного света и одна стандартная лампочка на каждое из трех лампочек.

20 долларов США от местного Target

Программное обеспечение:

Вам также понадобится программное обеспечение для редактирования фотографий и программа преобразования RAW. Я использую Adobe Photoshop и использую их встроенный конвертер RAW.

Зачем снимать в формате RAW?

Для тех, кто не знаком с RAW, это любой тип файла (DNG, CR2 и т. Д.), Который сохраняет все данные, относящиеся к изображению, без добавления какого-либо сжатия.Если вы не снимаете в формате RAW, ваша камера удаляет данные и сжимает изображение в файл jpeg, когда записывает файл на карту камеры. Это может ограничить ваши возможности при дальнейшем редактировании. Помимо прочего, RAW дает вам чрезвычайно точную цветопередачу, а также возможность корректировать плохую экспозицию. Несжатые изображения также значительно лучше масштабируются при необходимости.

Три элемента воздействия:

Прежде чем перейти к настройкам камеры и освещению, я хочу дать краткое объяснение трех ключевых компонентов, которые будут влиять на вашу экспозицию.Это ISO, диафрагма и выдержка. Для этого урока два из них очень важны, а один совсем не важен, но следует понимать все три.

ISO:

Во времена пленки ISO было «светочувствительностью» пленки, которую вы вставляете в камеру. Чем выше было число ISO, тем больше светочувствительность и грубее зерно пленки. ISO 100 был рекомендован для ярких солнечных дней, а ISO 400 или 800 лучше для съемки в помещении с затемнением. По мере увеличения числа качество изображения снижалось.То же самое и в цифровой фотографии. У камеры есть собственный ISO, и любое увеличение похоже на увеличение громкости, которое усиливает сигнал, но также увеличивает шум. В идеале использовать собственный ISO, который является наиболее чистым. Обычно это 100.

Диафрагма:

Диафрагма или диафрагма — это регулируемое отверстие внутри объектива, которое регулирует количество света, проходящего через затвор. Когда вы меняете диафрагму, отверстие становится больше или меньше. Некоторые линзы способны пропускать значительно больше света, чем другие, что обеспечивает более быструю экспозицию.Это то, что имеют в виду люди, когда говорят о том, что объектив «быстрый» или «медленный». Чем меньше значение диафрагмы, тем больше света проходит. Как правило, съемка с полностью открытой диафрагмой дает более мягкое изображение и более темные, даже более мягкие углы, поэтому это не идеальная настройка для воспроизведения произведений искусства. Точно так же съемка с очень маленькой диафрагмой вызовет дифракцию, которая также приведет к мягкому изображению (подобно эффекту прищуривания глаз). Хотя она варьируется от объектива к объективу, все они имеют идеальную настройку для оптимальной резкости, которая, как правило, находится в середине диапазона.Обычно вы в безопасности между f8 и f11, но несколько сравнительных снимков вам точно скажут. Компактные камеры, как правило, имеют гораздо большее разнообразие диапазонов диафрагмы, которые они позволяют, поэтому трудно выбрать стандартный подход, но ваш самый безопасный вариант — избегать крайностей. Масштабирование также может ограничивать доступный диапазон. Никогда не помешает проводить контролируемые тесты на каждой ступени диафрагмы, чтобы определить оптимальную резкость для любого оборудования.

Выдержка:

Время, в течение которого затвор остается открытым при фотосъемке, — это, как вы уже догадались, выдержка. Обычно выдержка чрезвычайно важна, если вы снимаете с рук и / или снимаете движущиеся объекты. Поскольку мы не делаем ни того, ни другого, скорость затвора не является серьезной проблемой при использовании этого метода. Фактически, мы будем использовать это в наших интересах, пожертвовав короткой выдержкой, чтобы обеспечить идеальные настройки ISO и диафрагмы.

При съемке на малых скоростях я рекомендую использовать функцию автоспуска, чтобы не трясти камеру при нажатии кнопки.Кроме того, для пользователей зеркальных фотокамер перевод камеры в режим просмотра в реальном времени (когда задний экран используется в качестве видоискателя) также поможет, потому что зеркало заблокировано и не будет вызывать никаких вибраций.

Настройки вашей камеры:

Режим: приоритет диафрагмы
ISO: 100
Диафрагма: f8 (DSLR) или средний диапазон (наведи и снимай)
Выдержка: камера решит при съемке с приоритетом диафрагмы
Тип файла: RAW
Автоспуск: включен

Освещение и оформление Расположение:

Вы должны настроить освещение таким образом, чтобы оно равномерно падало на поверхность вашего произведения искусства с равным количеством света, исходящего с обеих сторон.Если в вашей комнате есть верхний источник света, вы, вероятно, захотите его выключить. Разместите произведение искусства на мольберте так, чтобы оно располагалось ниже уровня пола и настолько близко к вертикали, насколько вы чувствуете себя в безопасности, и расположите лампы по бокам так, чтобы свет падал под углом примерно 20 градусов. Не следует делать угол слишком малым, так как это подчеркнет любую текстуру поверхности и несоответствия, хотя, если он будет слишком глубоким, он будет отражать свет в камеру и вызывать блики. При подходящем малом угле свет, как правило, отражается, не вызывая бликов.По возможности вы хотите, чтобы произведение искусства было обращено к темной стене. Все яркое в комнате, например белые стены, пол, потолок или ваша футболка, может отражаться на поверхности вашего произведения искусства, особенно если изображение темное и / или блестящее. При необходимости вы можете даже купить черный лист, который будет держаться за камерой, чтобы уменьшить отражения в помещении (я часто делаю это на проблемных картинах). Чтобы помочь в цветокоррекции, вы также можете разместить белый лист бумаги ( или более сложные материалы для цветокоррекции) над или рядом с вашим произведением искусства, чтобы оно получало такое же количество света.Кроме того, мне нравится снимать картины, пока они еще влажные, или с нанесением слоя ретуширующего лака, чтобы подчеркнуть богатство цвета и контраст, хотя это может сделать изображение более отражающим и проблематичным, если оно большое и / или темное.

Для тех, кто работает с текстурированными поверхностями, такими как холст, зеркальные блики все еще могут возникать. Если это так, есть статьи и видео об использовании поляризационных фильтров для управления этим. Я не сталкивался с этой проблемой, но рекомендую поискать их, если вы столкнетесь.

Пространственное искажение на этой фотографии создает иллюзию того, что лампы расположены под более крутым углом, чем рекомендуется, но вы понимаете общую идею. Вам придется некоторое время суетиться, пока вы не поймете, что лучше всего подходит для вашего пространства. Тем не менее, это действительно так просто. Для тех, у кого зоркий глаз, вы заметите, что у меня также была дополнительная проблема — это большое зеркало с правой стороны. Зеркало нарушало мой баланс освещения, поэтому вся установка немного наклонена влево, чтобы исключить любой отраженный от зеркала свет от моей рисованной поверхности.Это также убирает это окно, если я снимаю в светлое время суток.

Положение камеры:

Установите камеру на штатив и установите ее на удобном расстоянии от ваших работ. Здесь необходимо достичь баланса, и он будет отличаться с разными камерами, объективами и поверхностями. Чем дальше вы окажетесь, тем меньше фактурных бликов попадет на вас. С другой стороны, изображение должно почти заполнять рамку, не прибегая к цифровому масштабированию (оптическое масштабирование подойдет).Камеры «Наведи и снимай» часто имеют функции цифрового зума в дополнение к оптическому зуму, но они ухудшают качество изображения. Если вы не можете определить, какой у вас зум: оптический или цифровой, зум всегда начинается с оптического, а последний — в цифровом. Вы можете почувствовать, как мотор останавливается, когда он переключается, и, вероятно, на экране состояния будет указано, что он увеличивается за пределами диапазона оптического увеличения. Вы, вероятно, также заметите, что изображение стало более зернистым. Некоторые камеры позволяют отключить цифровой зум, что я бы рекомендовал сделать.

При использовании камеры или объектива с какой-либо функцией защиты от сотрясения или стабилизации изображения обязательно отключите эту функцию. При установке на устойчивый штатив система стабилизации изображения может создавать обратную связь, которая приведет к мягкому изображению. Некоторые камеры и объективы предназначены для автоматического исправления этого положения, но многие этого не делают.

Используя экран обзора (и сетку, если она доступна), установите высоту и угол штатива как можно более квадратными по отношению к вашему произведению искусства. Вы хотите, чтобы ваша камера была параллельна и центрирована по отношению к поверхности вашего произведения искусства.Еще одна причина, по которой мне нравится снимать телеобъективом, заключается в том, что он дает гораздо меньше искажений, чем более широкие объективы, хотя это можно легко исправить позже при обработке. Выравнивание изображения камерой, возможно, самая сложная часть всего этого процесса.

Затем я помещаю серую карточку над своей картиной, что упрощает и ускоряет балансировку белого. Это дешево, и вы должны его использовать. Как только вы правильно разместите изображение в кадре, сфокусируйтесь и сделайте снимок. Я предпочитаю фокусироваться вручную, но обычно автофокус не работает. При съемке установите таймер автоспуска так, чтобы между нажатием кнопки спуска затвора и съемкой фотографии была задержка. Это предотвратит дрожание камеры при нажатии на кнопку спуска затвора. Как упоминалось выше в настройках камеры, мы снимаем в режиме Av, что означает, что камера автоматически назначит выдержку в зависимости от вашей диафрагмы и количества света, считываемого камерой. Это может привести к очень длительным выдержкам, во время которых, очевидно, вы не хотите ничего трогать или беспокоить.Если изображение выглядит слишком ярким или темным, вы можете настроить его в преобразовании RAW или (желательно) вы можете установить уровень экспозиции на камере. Ваша гистограмма покажет, теряете ли вы какую-либо информацию в светах или тенях (если график выходит за пределы любого края) и что вам нужно переснять изображение с настроенной экспозицией. Обычно я снимаю картины с экспозицией -1/3.

Обработка:

При съемке в формате RAW следующим шагом будет преобразование изображения в формат.tif, чтобы вы могли работать с ним в Photoshop. Я делаю это здесь с помощью Adobe Lightroom, хотя инструменты, которые Adobe Camera Raw предоставляет вместе с Photoshop, такие же. В процессе конвертации я также автоматически делаю две вещи с каждым изображением. Во-первых, поправить свой цвет. Для этого я просто выбираю инструмент «Баланс белого» и щелкаю пипеткой на моей белой карточке. Lightroom автоматически настроит температуру и оттенок, и, хотя иногда я могу подправить его дальше, обычно это дает очень хорошую работу.Следующее, что я делаю, это исправляю искажение объектива, что делается нажатием «Включить коррекцию профиля» в меню «Коррекция объектива». Lightroom считывает, какой объектив / камеру вы использовали, и применяет соответствующий шаблон для противодействия искажению и виньетированию. Кроме того, вы должны установить профиль камеры в программе преобразования RAW, чтобы он соответствовал вашей камере. По умолчанию в программах Adobe установлен профиль Adobe, который неплохо подходит для Canon и Nikon, но не подходит для некоторых других. Это на вкладке «Калибровка камеры».После того, как вы установите это, он должен оставаться таким для будущего импорта.

Adobe Lightroom

После преобразования изображения в файл .tif я делаю все необходимые окончательные корректировки в Photoshop. Для меня это обычно означает обрезку изображения до границ изображения. Если он не был полностью выровнен, я «выделю все» и трансформирую / искажаю так, чтобы углы встали на место, при необходимости заново обрезаю и затем изменяю размер, чтобы убедиться, что пропорции правильные.При необходимости добавьте резкости, а затем настройте кривые, чтобы получилось красиво и резко. Наконец, если необходимо, я вылечу любые видимые пылинки или кошачью шерсть. Это обычно требуется только на более темных картинах.

Вот и все! Сохраните файл и зайдите на FTP клиента, и все готово!

Результаты:

Вверху: Окончательное изображение, полученное с помощью Canon Powershot S90, и детализация.Мне было бы удобно доставить это клиенту.

Ниже: Окончательное изображение, снятое на 5d Mk2, и детали. Более чистый цвет, более высокое собственное разрешение (примерно вдвое больше) и немного больше тонкости в тональном диапазоне, хотя результаты почти идентичны при уменьшении и преобразовании в веб-изображения.

Ботеро — Интервью с художником — Изюминка и любопытство

Танцовщица в баре. Фернандо Ботеро.

Ботеро — О художнике

Ботеро — всемирно известный колумбийский художник, известный своими объемными картинами и скульптурами.Фернандо Ботеро вместе с Габриалом Гарсиа Маркесом передают в своем искусстве этот чудесный, чарующий и страстный дух Colombia . Впервые я увидел работы маэстро Ботеро на его ретроспективе в Хельсинки, Финляндия. Я хорошо помню, какое влияние на меня оказала его увлекательная работа — она заставила меня остановиться. Вся эта усиленная громкость была поразительной, и это заставило меня подумать о жизни, в которой все будет усилено, что мы сможем по-настоящему увидеть и оценить ее сущность.

Маэстро Ботеро живет и работает в Париже, Франция, Нью-Йорке, Нью-Йорке, и Тоскане, Италия.Его известные работы находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Художественного института Чикаго , Museo Botero в Боготе, Колумбия и многих других. В 1970-х Ботеро перевел свои негабаритные изображения в скульптуру, создав огромные бронзовые фигуры и животных, расширив свое художественное творчество.

Красивые сцены из жизни в Колумбии Фернандо Ботеро.

Я всегда испытываю ностальгию по Колумбии, которую я испытал и знал, и, возможно, моя картина основана на ностальгии по тем годам.
— Фернандо Ботеро

Скульптура «Лежащая женщина» работы Фернандо Ботеро.

Ботеро — Интервью с Zest & Curiosity

Zest & Curiosity обратился к маэстро Ботеро и спросил его о его художественной философии и творческом процессе. Я имел удовольствие увидеть его работы в его родной Колумбии в прошлом году, это был один из самых ярких моментов моей поездки, так что эти открытия — чистая радость для меня. Еще одним ярким событием было чтение Маркеса в книжном магазине в Картахене, когда я понял, что он пишет о реальности того, что мы называем магическим реализмом.

Картахена захватывает дух, и Колумбия в целом может многое предложить. Помимо легендарного теплого колумбийского гостеприимства, здесь царит прекрасный ритм жизни. Кроме того, это дало нам двух талантливых художников, чье искусство бесконечно очаровывает публику по всему миру. Оба они лирически запечатлевают чувства и воспоминания.

Мона Лиза — Фернандо Ботеро.

Ботеро и Том

Маэстро Ботеро, вы используете объем как мастерское выражение в любой художественной концепции, которую вы исследуете. Что положило начало этому творческому поиску?

Мне интересно выразить проявление объема в искусстве. Эти объемные фигуры я начал писать в семнадцать лет. Есть еще акварели моих самых ранних работ, которые вы можете найти в каталогах, которые имеют особую непропорциональность формы. Но я не знал, зачем я это сделал. Я сделал это интуитивно, потому что это что-то мне говорило.

Затем, конечно, когда я был в Европе, особенно в Италии, я рационализировал важность объема, потому что я увидел, что все итальянские художники, такие как Микеланджело, Рафаэль, Джотто, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, праздновали объем.Объем широко используется, особенно в итальянской живописи, которая является объемной. И они сделали это, чтобы возвеличить чувственность предмета, возвеличить форму и цвет; все на этих картинах было праздником. Потому что искусство — это всегда преувеличение; художник преувеличивает цвет или форму или преувеличивает линию. Всегда есть преувеличение.

После Веласкеса. Фернандо Ботеро.

Объем как элемент искусства

Я считаю, что объем — это элемент искусства, которым очень пренебрегают и о котором забывают.И великое искусство в прошлом началось с Джотто, который снова ввел объем (потому что греки умели создавать иллюзию пространства и объема на плоской поверхности). Об этом забыли в средние века, а затем, в четырнадцатом веке, Джотто заново открыл эту способность, эту возможность. И с тех пор, почти до двадцатого века, каждый художник более или менее выражает объем и пространство.

Ботеро и Акт сотворения

Что было первым воспоминанием, когда вы начали творить?

Я всегда говорил, что если вы настоящий художник, все, что вы видите, — это повод для рисования.И это правда, что у меня не было профессионального образования в живописи. Но у меня была огромная страсть к живописи и рисунку. С детства я находил истинное удовольствие только в живописи и рисовании. И это то, что делает настоящего художника художником: страсть и любовь, которые он испытывает к своему ремеслу, и желание заниматься им каждый день своей жизни.

У меня был любопытный опыт, когда я пытался нарисовать человека, стоящего передо мной: я пошел на рынок и начал кого-то рисовать.Но мужчина понял, что я его рисую. Вдруг он подошел и разорвал простыню; Так я узнал, что так рисовать с моделью нельзя. Я не мог смотреть на кого-то и рисовать его, потому что это могло его беспокоить. Он оторвал простыню, и все.

Пикник. Фернандо Ботеро.

Живопись как след памяти

После этого я никогда, никогда не рисовал с моделью спереди. Ни в одной из моих работ. Это следы моей памяти. Так что, если мне не нужна модель спереди, она мне явно не нужна, чтобы красить дом или красить крышу из глины; все по памяти.Я могу выразить с помощью своей памяти всю эту атмосферу и характеров, все культуры «пайсы», в которых я жил 20 лет. Это остается внутри вас. Именно там я научился жить, потому что я научился перемещаться среди всех этих вещей, среди всех этих объектов, этих улиц и пальм … вся эта чудесная атмосфера остается глубоко в вашей памяти.

Вдохновение и воображение

Какие еще виды искусства вас вдохновляют? Как они связаны в вашем сознании?

Есть еще акварели моих самых ранних работ, которые вы можете найти в каталогах, которые имеют особую непропорциональность формы.Мне всегда было интересно выразить проявление объема в искусстве. Эти объемные фигуры я начал писать в семнадцать лет. Но я не знал, зачем я это сделал. Я сделал это интуитивно, потому что это что-то мне говорило.

Мария-Антуанетта во время визита в Медельин. Фернандо Ботеро.

Европейский год

Как культурные особенности и места, где вы жили, вдохновили ваше искусство? Есть ли какое-то конкретное место, где вы любите творить и почему?

Когда я впервые приехал в Европу, я хотел быть Пикассо. Я хотел поехать в Париж, найти Пикассо и научиться быть авангардным художником. Но когда я приехал в Мадрид, который был первым городом в Европе, который я знал, я открыл для себя искусство итальянского Возрождения в музее Прадо. Я изменил свой маршрут и, к счастью, вместо этого поехал во Флоренцию. Я там прожил почти три года. Итальянские художники кватроченто и чинквеченто были для меня настоящими учителями моей профессии.

Рубенс и его жена — Фернандо Ботеро.

Художник-самоучка

Я всегда говорил, что я художник-самоучка, потому что у меня никогда не было никаких отношений с профессорами, даже если я какое-то время учился в Escuela de Bellas Artes Мадрида.Все, что я делал, я делал интуитивно, через работу, читая об искусстве и истории искусства, а также глядя на великие шедевры истории искусства повсюду в мире. В конце концов, все благодаря моей страсти к искусству.

Что такое счастье?

Натюрморт с фруктами — Фернандо Ботеро.

Что делает вас счастливым?

Когда я в своей мастерской рисую!

Zest & Curiosity: Спасибо за интервью, маэстро Ботеро . Было одно удовольствие.

Ботеро и страсть к живописи во время COVID-19

Что касается жизни Маэстро во время пандемии, то это действительно повлияло на него, учитывая его возраст, так как ему 88 лет. Раньше он был очень активным и общительным, и все это прекратилось из-за пандемии, как и у всех нас. Тем не менее, он продолжал заниматься любимым делом — рисовать в своей мастерской.

Мандолина на стуле — Фернандо Ботеро.

Когда вы начинаете рисовать, это что-то вне вас.В заключение вы словно двигаетесь внутри картины.
— Фернандо Ботеро

Скульптура Ботеро в Картахене, Колумбия

Скульптура Ботеро в Картахене.

В прошлом году, когда я был в Cartagena , мне очень понравилось видеть Ла Горду Гертрудис Фернандо Ботеро. Скульптура расположена в центре прекрасной площади Санто-Доминго в самом сердце Старого города Картахены. В следующий раз, когда я буду в Колумбии, я хотел бы поехать в Медельин и Боготу, чтобы познакомиться с работами маэстро Ботеро в Museo Botero.В нем находится одна из самых важных международных коллекций произведений искусства в Латинской Америке.

Музей был основан в 2000 году, когда маэстро Ботеро пожертвовал более 120 своих работ, а также 85 из своей личной коллекции работ других художников. В коллекции представлены произведения Пикассо, Моне, Матисса, Дали, Миро, Климта, Брака и других. Маэстро Ботеро также курировал коллекцию музея. Его пышная Мона Лиза нашла здесь свой дом, а также сочные натюрморты и культовые скульптуры.Есть еще так много всего, что нужно увидеть. Я с нетерпением жду этого.

— Тихана

Основатель и главный редактор

Изюминка и любопытство

Все фотографии любезно предоставлены художником и его командой. Спасибо, Сандра.

арт

Искусство голографии (2)

Изобразительные особенности голограмм

По прошествии времени зарождение художественной голографии после периода эйфории, вызванного развитием новые возможности, необходимо задуматься о роли этой технологии в линейке другие репрезентативные технологии, их особенности и ограничения и, наконец, возможности нового вида изобразительного искусства, основанного на этой технологии.

Как голография наиболее близка к фотографии, рассмотрим подробнее отличия голографических и фотографических изображений:

Голограмма образует реальное объемное изображение, в отличие от фото и даже таких имитаций объемных изображений, как стереограммы. Реальность такова, что голограмму можно наблюдать с разных точек, наблюдение за частями объекта или сцены, которые были скрыты с другой точки зрения.В этом ощущение, что голографическое изображение ведет себя полностью как реальный объект. Это особенно иллюстрируется голографическими изображениями прозрачных объектов, например, голограммой линза полностью сохраняет все свойства настоящего объектива, и можно смотреть сквозь изображение линзы — увеличенное изображение объектов, расположенных за ней.

А самосветящийся объекты, например, лампа накаливания, не могут отображаться на голограмме.Следует от голографической технологии — голографируемый объект должен быть покрыт лазером свет, и только этот свет записывается на голограмме.

Динамический диапазон яркость на голограмме намного выше, чем на фото. На фото (как кстати в живописи) максимальная яркость — это просто яркость неокрашенного листа бумаги (или яркость белой краски). Такое ограничение отсутствует на голографическом изображении, потому что яркие места образуются светом, идущим со всей поверхности голограммы.На бумаге яркость изображения формируется вычитанием максимальной яркости, но на голограмма — перенаправление света с темных участков на яркие. Просто это объясняет удивительное реальность изображений прозрачных предметов, таких как стекло, капли воды, то есть те объекты, которые на самом деле имеют очень большой динамический диапазон яркости. Что художникам а фотографам дается большая работа, из-за специальных приемов голограмма отображается автоматически и точно.

Но, в отличие от фото и фотографии, для наблюдения голограмм необходим точечный источник света (лампа), в других Изображение корпуса немного размыто.

Голография точно передает текстуру поверхности объекта. Ни у кого фотографический или полиграфический качество изображения невозможно полностью исключить влияние текстуры материал или малярный слой.Даже в качественной офсетной печати есть структура поверхности, определенной технологией, кроме того, из-за наличия зеркального отражения на на изображении могут образовываться блики или раскрашиваться в цвет ближайшего предметы. Голографическое изображение практически не имеет материального полотна, поскольку оно сформировалось в свободное место. Это обуславливает удивительно точную передачу фактуры поверхности любого материал.->

ИСКУССТВО: Создание маэстро

Фернандо Ботеро в разговоре с Лоуренсом Риндером, сентябрь 2009 г. (Фото Пег Скорпински)

АРТ

Создание маэстро

Лоуренс Риндер Интервью Фернандо Ботеро

23 сентября 2009 года Центр латиноамериканских исследований и Художественный музей Беркли провели публичное мероприятие, посвященное передаче Фернандо Ботеро своей серии картин и рисунков Абу-Грейб Калифорнийскому университету в Беркли.На мероприятии всемирно известный художник был награжден грамотой канцлера за его жизненные достижения. Затем он начал публичную дискуссию о своей жизни и работе с директором музея Лоуренсом Риндером.

Риндер: Ваше первое выступление в качестве художника было в 1948 году, когда, как мне кажется, вам было всего 16 лет. Вы продали иллюстрацию, если не ошибаюсь.

Ботеро: Ну да. Я начал участвовать в групповых выставках в моем родном городе со старшими художниками региона.Затем я переехал в Боготу, бросил учебу в старшей школе и очень рано стал профессиональным художником. Мне было 17 или 18 лет, когда я начинал как профессионал.

«Плачущая женщина», бумага, акварель, 59 x 44 см, 1949 г.

Объемные фото картины: Объемные картины в интерьере [60+ стильных дизайнерских идей]

Р: Эта работа 1949 года «Плачущая женщина» была сделана всего через год после того, как вы впервые начали показывать ее публике. Исторически 1948 год стал первым годом того, что стало известно как «Ла Виоленсия» — трагического и чрезвычайно важного момента в истории Колумбии.Сегодня мы все еще наблюдаем последствия. И очень жаль, что ваша собственная карьера началась в тот самый момент, когда Колумбия начала распадаться. Интересно, могли бы вы рассказать о «La violencia», о том, что это было и как это повлияло на ваши ранние годы творческой деятельности.

B: Это оказало большое влияние, потому что, конечно, молодые люди очень чувствительны к этим проявлениям насилия, социальной несправедливости и т. Д. Мы были очень тронуты этой ситуацией. Как вы сказали, насилие началось в Колумбии с убийства Хорхе Гайтана, популярного лидера, который собирался стать президентом.Его убила очень реакционная группа в Колумбии, и тогда реакция масс была тотальной. Они сожгли половину Боготы и Медельина. Ситуация очень тронула каждого молодого интеллектуала, студента, художника и т. Д.

С точки зрения живописи, конечно, в то время у нас было очень мало информации о международном искусстве. В основном мы получали репортажи о мексиканском искусстве. Меня очень интересовал Диего Ривера и особенно Ороско, как вы видите в «Плачущей женщине». В то же время в этой акварели 1949 года есть интересный элемент: уже был особый интерес к объему, который вы можете увидеть в рукаве «Плачущая женщина.«Мои акварели того времени всегда были очень объемными, и я просто не могу объяснить, почему. На самом деле это было необычно. Когда я был студентом во Флоренции пару лет спустя, я смог рационализировать важность объема и понять, что в этих акварелях уже была тенденция внутри меня. Вот почему я был так увлечен искусством Quattrocento [искусство Италии 15 века].

R: Вы поехали в Европу в 1952 году. Я полагаю, что отчасти причина была в том, чтобы увидеть великие произведения искусства, а также в том, чтобы выбраться из ухудшающейся политической и социальной ситуации в Колумбии.

B: Это было главным образом потому, что я хотел увидеть Великих Мастеров, музеи и т. Д. Я мало знал о Великих Мастерах, потому что информации было очень мало. Я знал, что есть кто-то по имени Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Веласкес, но информации было очень мало. Поэтому, когда я приехал в Европу, я обнаружил их фантастические работы, и это искусство было намного важнее, чем я когда-либо думал, более сложным и необычным.

Изначально я планировал поехать в Париж, к чему стремится каждый молодой художник.Затем я изменил свои планы и уехал в Италию. Вот почему моя работа связана с итальянским искусством, особенно с кватроченто: Уччелло, Пьеро делла Франческа и т. Д. На самом деле, когда я приехал во Флоренцию, я понял, что мексиканское искусство на самом деле было вдохновлено кватроченто и производным от него. Лучше было увидеть источник этого искусства. С тех пор я не смотрел на мексиканское искусство; Я смотрел на Кватроченто.

Р: А потом в 56-м вы действительно поехали в Мехико. Вы встречались с кем-нибудь из художников-монументалистов в то время?

B: Однажды я встретил Диего Риверу, но в группе примерно из десяти человек.Он был здесь; Я был там.

Р: А влияние уже было в юности.

B: Ну нет. Вначале на меня очень повлияло мексиканское искусство, потому что это единственное, что вы видели. Затем, когда я поехал в Европу, я увидел разницу — я увидел великих мастеров, вдохновивших мексиканскую работу. Тогда меня это впечатлило гораздо меньше.

Я думаю, что мексиканские художники были очень важны, потому что они отражали политические проблемы своего времени. Реальность страны была революционной, и, помимо стиля или техники, они столкнулись с очень человеческими проблемами в Мексике.

R: Я хочу вернуться к тому вопросу, который вы сделали по поводу объема. Вы сказали ранее, что объем был проблемой даже в самом начале акварели 1949 года. Интересно, могли бы вы рассказать об этой картине «Натюрморт с мандолиной». Думаю, для вас это было своего рода прозрением.

B: Да, очень ранняя работа. К тому времени я понял важность объема в картинах. Я много читал Бернарда Беренсона, который придавал огромное значение объему. Фактически, он создал шкалу важности, основанную на способности производить то, что он назвал «тактильными ценностями».«Как я уже говорил, в моих ранних работах был элемент объема. Затем вся моя работа становилась все более и более связанной с объемом, но в некоторой степени производной от итальянского объема.

Однажды я рисовал мандолину, и в тот момент, когда я собирался проделать отверстие в инструменте, я сделал это очень маленьким. Там было что-то, с чем я сразу отождествился. Я увидел, что это стало намного важнее, намного радикальнее. Контраст между мелкими деталями и щедрым контуром делает форму более важной, агрессивной, чувственной и многим другим.Люди очень легко узнают мою работу, потому что видят эту экзальтацию, этот экстравагантный или преувеличенный объем.

Том был очень важен на протяжении веков, начиная со времен Джотто и кончая импрессионистами. Объем был более или менее выражен в каждой картине. После импрессионистов и в 20-м веке искусство стало более плоским по размерам, а объем был забыт. Для меня часть волшебства картины заключается в том, что на этой плоской поверхности возникает иллюзия пространства и объема.Это действительно часть тайны живописи. Без объема отсутствует элемент таинственности и чувственности. Вот почему я критически отношусь к этому искусству, которое было исключительно декоративным. Я хотел, чтобы моя работа вновь включала этот элемент, который был каким-то образом забыт или отвергнут в 20-м веке.

«Натюрморт с мандолиной», холст, масло, 67 x 121 см, 1957 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк)

R: Итак, вы начали довольно ярко применять объем к фигурам, как в этой работе под названием «Мертвые епископы» 1958 года, действительно замечательной работе, которая фактически предвосхищает одну из работ наверху, в коллекции Абу-Грейб.

B: Да, именно так. Собственно говоря, я думал об этой картине.

R: На картине 1958 года видно, что речь идет о круглом контуре с мелкими деталями. Ясно. В этой картине есть еще один элемент, качество палитры, а также мазок кисти, который на самом деле существовал в вашей работе только около трех или четырех лет, прямо в этот момент с 1958 по 61 или 62 год. Палитра почти фовская: яркие цвета, в чем-то более экспрессионистские.Я думаю, что это был период, когда вы тоже жили в Нью-Йорке, и мне интересно, было ли вообще влияние абстрактных экспрессионистов или каков был контекст этой работы?

B: Я видел картины абстрактных экспрессионистов, и они меня очень соблазнили. Это было очень соблазнительное движение из-за свободы, щедрости, чувственности нанесения цвета, мазка кисти. Я начал рисовать очевидным мазком кисти.

Искусство Quattrocento всегда имеет очень тонкую поверхность, и исторически сложилось так, что большинство произведений искусства имеют очень гладкие поверхности.Было очень мало художников, таких как Франс Хальс, как Гойя в его «Черных картинах», которые оставляли мазок кисти очень заметным. Но картины абстрактных экспрессионистов были настолько интересны, что я занимался этим несколько лет. Но потом я обнаружил, что это противоречие. Я пытался успокоить мою работу. Я очень восхищаюсь спокойствием Пьеро делла Франческа. Я восхищаюсь спокойствием в египетском и греческом искусстве. Спокойствие придает форме ощущение вечности; этот восторг, этот лихорадочный мазок кисти были противоречием.Поэтому в какой-то момент я остановился.


«Мертвые епископы», холст, масло, 190 x 218 см, 1958 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк)	«Мертвые епископы», холст, масло, 175 x 190 см, 1965 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк)

Р: Так, например, эта версия 1965 года — это та же картина, но выполненная в стиле Пьеро делла Франческа. Так к чему куча мертвых епископов?

B: Я действительно не знаю, в чем причина. Но причина, по которой я рисовал людей из церкви, заключается в том, что в эпоху Возрождения люди использовали самые фантастические цвета. Они так красили, потому что тогда модели были полны цвета. В наше время большинство людей носит серое, черное или белое, а прихожане церкви и тореро — единственные, кто использует экстравагантные цвета. Для меня это был предлог использовать цвет.

Р: Это как фруктовый натюрморт, только мертвые епископы.

B: Почему они были в кучу? Я правда не знаю. Я не могу этого объяснить.

Р. А что с этими людьми? Это называется «Официальный портрет военной хунты» 1971 года. Я думаю, что речь идет явно не только о группировке цветов. Это действительно социальная, политическая сатира. Композиция здесь очень напоминает картину Гойи «Семья Карла IV». Так расскажи мне об этом. Это особая семья? Что происходило в то время в социальном и политическом плане?

B: Ну, это было время Сомоз, Трухильо и многих военных хунт в Латинской Америке.И, конечно же, против этой нелепости были все, кто был умен. Создавать сатиры было очень легко, когда вы слышали рассказы пятилетних генералов и о том, что они делали в Доминиканской Республике, Гватемале и подобных местах. Большая часть Латинской Америки пострадала от такой военной диктатуры. И я написал серию картин, которые были сатирами на этих людей. Конечно, хорошим примером является «Семья Карла IV» Гойи. Я сделал презентацию о латиноамериканской семье, которая была похожа на «Семья Карла IV.”

Р: Итак, в данном случае объемность фигур кажется явно сатирическим элементом. Можно ли сказать, что в данном случае это формальное качество играет роль сатиры?

B: Ну, дело в том, что этот том почему-то внушал людям мысль, что это было забавно. Когда вы видите кого-то очень стройного, вам не кажется, что это смешно. Но вы думаете, что толстый — забавный.

На самом деле, я не пытался заниматься сатирой. Я пытался высмеять костюмы и тот факт, что там были эти маленькие генералы.Я сделал сатирическую презентацию, но в том же духе, что и натюрморты. Всю свою жизнь я рисую натюрморты, потому что процесс рисования ласкает, пытается передать чувственность и покой через форму. Даже если я пишу картину на отвратительную тему, я должен относиться к ней с той же любовью, что и к фруктам. Это противоречие, но так оно и есть.

«Абу-Граиб 89», 171 x 111 см, холст, масло, 2006 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк.)

Р: Как отреагировали на эту работу в Латинской Америке? Были ли у вас трудности среди правящих классов? Должно быть, они почувствовали, что все не в порядке, или даже не заметили? Они заказывали такие вещи?

B: На самом деле я не встречал ни одного из этих диктаторов. Я жил в Европе и Нью-Йорке. Но картина стала чрезвычайно популярной. Люди воспроизводили это во многих местах. Это было положительно. Собственно, именно этого я и хотел, чтобы сатира была посеяна в сознании людей, чтобы они увидели, насколько нелепы эти диктаторы.

R: Итак, серия Abu Ghraib совсем не нова в вашей работе, поскольку она затрагивает тему государственного насилия. Это на самом деле то, что вы представляете десятилетиями. Эта безымянная работа 1978 года является одним из многих примеров. Вы говорили о роли искусства в создании ощущения покоя и о том, что каждая картина, наконец, представляет собой натюрморт, но можете ли вы на минутку поговорить о взаимосвязи между, может быть, не искусством, а практикой художника и насилием со стороны государства? Как, по вашему мнению, должно реагировать искусство? Как вы ответили?

B: Нельзя оставаться равнодушным к таким отталкивающим ситуациям.В то время полиция очень плохо обращалась с людьми. Эти две картины отражали ситуацию. Позже я отразил насилие в моей стране, в Колумбии. Я написал серию очень драматичных картин…

R:… войны с наркотиками…

B:… резни, парады гробов. Вы бы увидели эти парады из 50 или 60 гробов, спускающихся по главным улицам этих городов. Я видел это по телевизору и рисовал. Собственно говоря, я подарил эту серию Национальному музею Колумбии.

Каждый раз, когда я чем-то впечатлен или шокирован, это проявляется в моей работе. Я был шокирован пытками в Ираке во времена администрации Буша. Против этого был весь мир. Все, кто имел отношение к искусству, из-за чувствительности художника были шокированы больше. Вот почему я пришел в ярость. И однажды я начал визуализировать то, что происходило в этой тюрьме, а затем начал рисовать. Я продолжал работать и работать. Это стало навязчивой идеей, пока я не сказал то, что должен был сказать.И почему-то это было похоже на терапию, потому что чем больше я рисовал, тем спокойнее было в моем сердце. Когда я закончил сериал, я как-то почувствовал покой. На самом деле это была терапия. Но я знал, что мне нужно что-то сделать, потому что это был такой шокирующий поступок. И я сделал.

«Официальный портрет военной хунты», холст, масло, 173 x 218 см, 1971 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк)

Р: Я хотел спросить вас о христианстве, потому что это тема, которая довольно много обсуждалась в беседах, которые имели место по случаю вашего последнего визита.Профессор Том Лакер назвал «Страсти Христовы» «парадигматическим примером страдания в западной традиции» и предположил, что эта тема является очень сильным подтекстом в вашей работе.

Как своего рода контрапункт к этому, T.J. Кларк, который также работает здесь на факультете, сказал, что ваша работа могла бы быть лучше, если бы она оставалась «верной мерзкой бессмысленности моментов, запечатленных в фильме». Он хотел бы, чтобы вы исследовали фундаментальную дистанцию Абу-Грейба от повествований, определяющих западную художественную культуру, таких как связь физических страданий с искуплением и священным.

Итак, две разные точки зрения: одна рассматривает связь с христианством как расширение возможностей работы и придает ее посланию дополнительный объем, если хотите, а другая утверждает, что намек на повествование о христианстве и связь между страданием и святостью на самом деле не соответствует действительности. В соответствии с тем, что произошло, в Абу-Грейбе было мало священного. Вы можете об этом поговорить?

B: Люди часто находили связь между религиозным искусством, христианством, страстями Христовыми и моей работой.Правда в том, что в Латинской Америке религиозное искусство показывает очень кровавое представление Христа. Это было то, что вы видели в каждой церкви. Там, где нет музеев, традиций, галерей, искусство, которое вы видите в детстве и подростковом возрасте, находится в церкви.

В то же время в Латинской Америке искусство традиционно было религиозным. Девяносто процентов работ было религиозным. Тогда, в 20 веке, в живописи, в искусстве не было религии. В некотором смысле это было похоже на то, что случилось с объемом; объем был элементом, который исчез.Религия исчезла как предмет искусства ХХ века. Это было чрезвычайно важно на протяжении веков. Затем, поскольку эта традиция существовала в Латинской Америке, мне нравилось больше заниматься этой темой, хотя я не религиозный человек. Но я увидел красоту этих религиозных картин старых мастеров Латинской Америки. И мне нравится идея делать что-то, что каким-то образом запрещено, придавать значение предмету, который является табу в современном искусстве. Большинство искусствоведов считают, что эта тема — табу.Мне нравится делать то, что, по мнению всех, делать не следует. Почему нет?

История искусства — это великая традиция религиозного искусства. И для меня история искусства чрезвычайно важна. Я всегда думаю о панорамах искусства. Если что-то было важным тогда, то почему не сейчас? Почему ты не можешь сделать это сейчас? В некотором смысле история искусства дает вам разрешение продавать определенные вещи. Почему — если это было великое искусство — почему не сейчас?

Когда я делал картины Абу-Грейба, весь этот фон проявился.Это нормально. Но как-то многое было прочитано в сериале «Абу-Грейб». Дело не в том, что я пытался творить Христа. Так и случилось. И это пришло на второй план. Не то чтобы я сделал это специально.

(вопрос из аудитории): Почему американские артисты относительное молчание по этому поводу в это время?

B: Я думаю, что единственное логическое объяснение того, почему американцы — которые, я уверен, были лично шокированы и возмущены ситуацией — ничего не сделали, — это то, что американское искусство в основном абстрактно и концептуально.Возможно, некоторые люди сделали что-то, что имело отношение к этой пытке, но это было непонятно. Прямая и ясная презентация была бы нарушением философии художника-концептуалиста. В Америке очень мало известных фигураторов, и они ничего не делали. Но большая часть искусства сегодня в Америке абстрактна и концептуальна, и очень трудно сказать что-то подобное, если вы художник-абстракционист. Это единственное логическое объяснение того, почему этого не было сделано. Но в то же время это невероятно.

Канцлер Калифорнийского университета в Беркли Роберт Дж. Бирджено вручает Фернандо Ботеро грамоту канцлера. (Фото Пег Скорпински.)

10 фактов о Фернандо Ботеро

1
Художник Фернандо Ботеро начал жизнь нелегко

Ботеро родился в 1932 году в Медельине, Колумбия.Расположенный в долине горного хребта Анд, Медельин в то время был относительно небольшим и изолированным городом. Его отец, Дэвид, был коммивояжером, который внезапно скончался в возрасте 40 лет, оставив четырехлетнего Ботеро, двух его братьев и его мать, которая работала швеей, в нищете.

2
Ботеро был зачислен на тренировку тореадора

Ботеро начал рисовать акварелью еще в раннем детстве. В 1944 году дядя, сыгравший важную роль в семейной жизни после смерти отца, записал его в школу тореадоров, только чтобы понять, что его племянник больше интересовался рисованием и раскрашиванием быков, чем борьбой с ними. Первые работы Ботеро — акварели с изображением быков и матадоров — продавал человек, торгующий билетами на корриду. В 1948 году, когда ему было всего 16 лет, его первые иллюстрации были опубликованы в одной из самых важных газет Медельина. Три года спустя у него состоялась его первая персональная выставка в Боготе.

3
Изучение старых мастеров стало настоящим открытием для искусства Ботеро.

В возрасте 20 лет, выиграв вторую премию в Боготском национальном салоне художников, Ботеро забронировал поездку на лодке в Европу, путешествуя с группой других художников.В течение года в Мадриде он целыми днями копировал старых мастеров Прадо. Затем он переехал в Париж, а затем во Флоренцию, чтобы изучать мастеров итальянского Возрождения. Это был период откровений для художника, который раньше видел европейское искусство только через репродукции. Хотя Ботеро в эти ранние годы несколько раз учился в художественных школах, он считает себя в основном самоучкой.

4
Момент «эврики» Ботеро наступил с мандолиной.

Раннее художественное вдохновение Ботеро пришло как из Латинской Америки, так и из Европы. Мексиканские художники-монументалисты, а также испанские мастера Пабло Пикассо и Хуан Грис были среди тех, кто первым пробудил творческое воображение Ботеро. В отличие от Пикассо, чей кубистический прорыв произошел после экспериментов с конструкцией гитары, Ботеро имел свой художественный момент «эврики» с мандолиной. В 1956 году, когда он жил в Мехико, Ботеро нарисовал мандолину с необычно крошечным отверстием для звука, что позволило инструменту внезапно принять преувеличенные пропорции. (Аналогичная работа примерно того же времени была продана на Christie’s в 2019 году.Так началось исследование объема художником на протяжении всей его жизни.

5
Ботеро не рисует «толстых людей» — он рисует объем

Ботеро известен во всем мире своим неповторимым стилем, включающим округлые, причудливые фигуры и предметы, часто пропитанные тонкой сатирой.Управляя пространством и перспективой, он обращает внимание на монументальность своих фигур, показывая их в пространствах, которые кажутся слишком маленькими, чтобы их вместить. Он оставался непреклонным в том, что не рисует «толстых людей»; он настаивает на том, что он пишет «объем» и «чувственность формы». Он исследовал объем и чувственность формы в таких разнообразных предметах, как цирк, переосмысление старых мастеров, обнаженные натуры, латиноамериканские уличные сцены, домашняя жизнь, бордели и портреты политических деятелей.

6
Ботеро собрал и подарил сотни произведений искусства.

В период с 1990 по 2000 год Ботеро пожертвовал более 300 работ, как своих собственных, так и произведений европейских мастеров XIX и XX веков, Музею Антиокии в Медельине, а также Банку Республики в Боготе.Последняя коллекция стала основой того, что сейчас является Музеем Ботеро.

7
Террористы взорвали скульптуру Ботеро

В 1994 году Ботеро стал жертвой неудавшегося похищения, а в 1995 году террористическая группа заложила бомбу под его скульптуру Пахаро (Птица), которую он подарил городу Медельин.В результате теракта, произошедшего во время музыкального фестиваля, 23 человека погибли и еще 200 получили ранения. В ответ Ботеро подарил Медельину скульптуру La Paloma de la Paz (Голубь мира), которая установлена рядом с искореженными останками более ранней работы.

8
Искусство Ботеро может быть политически заряженным

Хотя Ботеро утверждал, что «искусство должно быть оазисом, убежищем от жестокости жизни», его работы иногда носят ярко выраженный политический характер. Начиная с 1990-х, он написал серию, посвященную насилию, связанному с наркотиками в Колумбии. Одна картина, Смерть Пабло Эскобара , изображает колумбийского наркобарона, застреленного полицией. Объясняя свой ответ на насилие над наркотиками в его стране в 2000 году, Ботеро заявил: «Колумбийская драма настолько непропорциональна, что сегодня нельзя игнорировать насилие, тысячи перемещенных и мертвых, процессии гробов. Вопреки всем моим принципам мне пришлось рисовать [насилие] ». Позже он выпустил свою серию« Абу-Грейб », сосредоточив внимание на сообщениях о пытках иракских заключенных.

9
Скульптуры Ботеро украшают общественные места по всему миру.

Наряду с многочисленными скульптурами Ботеро, которые можно увидеть в его родном Медельине, монументальные произведения художника можно увидеть на улицах Нью-Йорка, Парижа, Барселоны, Мадрида, Иерусалима, Бамберга в Германии и Еревана в Армении.Ретроспектива 2015 года, начавшаяся в Пекине и переехавшая в Шанхай, свидетельствует о поистине международной привлекательности его работ.

10
Он не показывает признаков замедления

Сейчас, когда ему уже за восемьдесят, художник, который более 40 лет женат на Софии Вари, греческом скульпторе и дизайнере ювелирных украшений, продолжает неустанно работать.